Дизайн в музыкальной индустрии играет огромную роль. Он подчеркивает имидж артиста, создает эмоциональную связь со зрителем, способствует продвижению искусства.

Вот что говорит по этому поводу Алина Кретова, руководитель пресс-службы Московского джазового оркестра под управлением Игоря Бутмана, PR-директор Фонда Игоря Бутмана и компании Igor Butman Music Group:

- Учитывая тот факт, что 80% людей на планете — визуалы, не уделять должное внимание визуальному сопровождению своего творчества — большая ошибка. Это важно понимать, поскольку музыкальный продукт конкурирует не только внутри отрасли, но и в контексте рынка досуга. То есть со всеми продуктами, предназначенными для заполнения свободного времени людей. Артист, фестиваль или музыкальная площадка должны позиционироваться определенным образом, найти свои конкурентные преимущества и “упаковать” их максимально интересно, чтобы выделиться из общей массы. Визуальный язык имеет большое психологическое воздействие. Если мы хотим быть уникальными в глазах нашего зрителя, это нужно делать не только за счет творчества, но и с помощью хорошей визуальной составляющей.

Ей вторит PR-продюсер Максим Задворнов:

- В современном мире узнаваемость артиста важна не только с первых нот, но и с первой картинки. Проезжаешь на машине и видишь афишу на заборе в каком-нибудь рандомном Екатеринбурге. Или, листая музыкальные новинки в приложении, увидел микроскопическую картинку обложки артиста. Или, гуляя по Новому Арбату, заметил, как гигантский экран за секунды открутил ролик артиста. Это все случаи, когда артист и его творчество касаются пользователя. Естественно, общий стиль всех этих визуальных материалов обеспечит эффект узнаваемости, напомнит поклоннику об артисте, а новую аудиторию по всем законам маркетинга с третьего касания побудит познакомиться с его творчеством. Единство стиля — залог успеха. Артист — бренд, так ему нужен брендинг.

Продюсер и музыкант Валерий Дробыш отмечает:

- Уникальное визуальное сопровождение очень важно для артиста, потому что его айдентика — то, что потенциальная многомиллионная аудитория будет видеть в первую очередь, на что она будет кликать. За счет визуального сопровождения ей будет понятно, интересно это или нет. Помимо нейминга артиста важно, чтобы та или иная обложка была кликабельна — особенно на разных площадках типа VK, Яндекс Музыки, “Звука” и так далее. Промо-материалы характеризуют профессионализм артиста и его команды.

В статье рассмотрим, как дизайн применяется в различных сферах индустрии, и приведем наиболее интересные примеры.

Дизайн музыкальных обложек

Он отражает концепцию альбома и создает настроение перед прослушиванием. В истории музыкальной индустрии нередки случаи, когда изображение становилось известнее самого альбома. Например, многие хотя бы раз, но видели обложки альбома «Nevermind» от группы Nirvana или «Abbey Road» от Beatles. Эти изображения часто используются в поп-культуре, косплеятся или упоминаются в музыкальных статьях.

Впервые дизайн обложек появился в конце 1930-х. Музыка тогда выпускалась на пластинках в простых бумажных конвертах, где указывались только названия произведений и исполнители. Отличались обложки лишь логотипами компании и шрифтами. В 1938 году арт-директор звукозаписывающей компании Columbia Record Алекс Стейнвейс убедил руководство поэкспериментировать с дизайном обложек. Эта идея принесла успех: пластинка с записью Симфонии №3 Бетховена в новом цветном дизайне стала раскупаться на 895% лучше.

Алина Кретова согласна с тем, что дизайн значительно помогает в продажах музыки:

- Дизайн в прямом смысле работает на вашу узнаваемость, помогает выделиться среди конкурентов и больше зарабатывать. К тому же он еще является своего рода абстрактным воплощением смыслов. С помощью визуального языка артист сможет усилить те идеи, которые он заложил в свою музыку. Красивый, интересный, интригующий дизайн способен зацепить нового слушателя, который ранее не был знаком с вашим творчеством.

В нашей стране дизайн обложек появился позже — в середине 1970-х. Тогда студия грамзаписи «Мелодия» занялась экспортом пластинок, для них понадобились яркие обложки. Советские дизайнеры с задачей справились. Они взяли за основу идеи американских коллег: использование фото, коллажей, интересных шрифтов. Потом дизайн советских обложек развивался самостоятельно. Например, во многих применялся популярный в СССР авангардизм.

Труд дизайнеров впервые был оценен в 1959 году — тогда у музыкальной премии «Грэмми» появилась номинация «Лучший дизайн музыкального альбома». Кстати, единственный наш соотечественник, получивший эту награду, — Юрий Балашов. Он автор обложки альбома Civilization Phaze III музыканта Фрэнка Заппы.

Сегодня дизайнерам обложек и легче, и труднее. Проще, потому что у них под рукой множество цифровых инструментов и нейросети. С их помощью можно быстро разработать и воплотить идею. Сложнее, потому что размер обложки в разы уменьшился. Дизайнеры прошлого века творили для громадных по нынешним меркам конвертов пластинок 30×30 см. Потом перешли на более мелкие обложки для кассет и компакт-дисков. Но там были вкладыши, на которых можно разыграться. Сейчас мы слушаем музыку на стриминговых сервисах со своего смартфона — и обложка отображается только там.

- Мое личное мнение: искусственный интеллект — это очень круто. Хотя без креативного человека рядом он не сможет повлиять на будущее артиста или визуальный характер. Просто сторонний человек не сможет выдать хорошее качество совместно с ИИ. А профильный профессионал, используя искусственный интеллект и современные технологии, может очень упростить себе работу, сделать что-то из ряда вон выходящее, — считает Валерий Дробыш.

Дизайнерам приходится отказываться от детализации в пользу более простых, но ярких форм. Здесь при оформлении учитываются не столько тренды, сколько жанровая направленность исполнителя и идея альбома или сингла.

Алина Кретова дает советы дизайнерам и исполнителям:

- Визуал должен отражать суть творчества и при этом быть современным. Графический дизайн — это многокомпонентное понятие. Он состоит из разных графических элементов: цвета, формы, изображения, шрифтов, композиции… Чтобы создать эффектный дизайн, нужно иметь большую насмотренность и следить за трендами. А они постоянно меняются. Ежегодно Институт цвета “Пантон” выбирает цвет года, задаются тренды в шрифтах, появляются современные технологии в виде нейросетей и так далее. Но в дизайне музыкальных продуктов, как мне кажется, важно не только следить за трендами, но и уметь чувствовать артиста. Нужно понимать, что он хотел сказать своим творчеством. И за счет “упаковки” этой “творческой мысли” усилить эффект его посыла, добавить зрелищности и интриги.

Дизайнер помогает “упаковать” ваше творчество. Но для максимального эффекта и вы должны постараться: как минимум дать послушать вашу музыку и написать четкое ТЗ, предоставить референсы или просто поделиться вдохновением, рассказать, как вам в голову пришло написать ту или иную музыку. И главное — не расстраиваться, если с первого раза идеальной обложки или афиши не получится. Например, мы сейчас выпускаем новый альбом Игоря Бутмана и Московского джазового оркестра. Мы с дизайнером сделали 10 вариантов обложек, и ни один не вызвал вау-эффекта. Честно говоря, времени уже не было, нужно было что-то решать. Я просто пошла спать. И — о чудо! — нужная обложка просто мне приснилась! Так что вдохновение можно найти во всем. Нужно просто уметь воспользоваться моментом.

Изменения сказались и на сроке производства. Если раньше можно было потратить время и деньги на разработку оригинальной идеи, длительную съемку или детализированную иллюстрацию, то сейчас производство музыки ускорилось, а с ним и потребность в обложках. Каждый сингл, что выгружается на площадки, требует соответствующего оформления. А значит, необходимо разрабатывать его в кратчайшие сроки.

Соорганизатор проекта «Фабрика дизайна», президент Союза Дизайнеров России Виталий Ставицкий отмечает, что сегодня произошел интересный откат в прошлое — винил вновь начал набирать популярность. Вместе с вниманием к качеству звука возросла и тщательность подхода к обложкам. Сегодня многие их воспринимают как предмет искусства. Настоящие аудиофилы стали вновь коллекционировать диски и обращать внимание не только на то, что и на каком оборудовании они слушают, но и как это оформлено.

- Мы привыкли слышать, что встречают по одежке, а провожают по уму. Так вот альбом, особенно на виниле, встречают по обложке, а провожают по качеству звучания и содержанию. Для настоящих ценителей музыки важно не только звучание, но и то, как это подано. Я много лет как дизайнер отдал оформлению альбомов, потому с уверенностью могу об этом говорить. Отмечу также, что сейчас грамотно составленная музыкальная коллекция часто становится частью интерьера. Значит, ее визуал приобретает дополнительную функцию — показать своего владельца как тонкого ценителя графического дизайна. Мы на “Фабрике дизайна” это видим. К нам приходят запросы на оформление музыкальной продукции и на поиск интересных графических решений для упаковки, — рассказывает Виталий Ставицкий.

Логотип группы

Логотип не только отражает философию группы — он еще и способен стать особым знаком, отличающим «своих» от «чужих». Например, кто-то может и не знать, что означает рисунок на вашей футболке. Хотя поклонники рока поймут, что вы уважаете группу Rammstein.

Логотипы групп были широко распространены в 1970-е годы. Это был расцвет популярности рок-музыки — тогда появились знаменитые лого Rolling Stones, Ramones и AC/DC.

Изначально в лого отражались бунтарство и неподчинение нормам — рубленые шрифты, яркие цвета, пугающие образы. Но позже, когда рок перестал быть андеграундом, символы групп стали более разнообразными. Теперь используются рисунки и рукописные шрифты.

Долгое время логотипы были отличительным знаком только рок- и метал-групп. Но позже они проникли во все сферы. Например, многие знакомы с лого поп-группы «Руки вверх» или певицы Глюкозы.

Ключевая характеристика успешного логотипа — простота. Лого часто используется в творчестве поклонников музыкальных исполнителей, а это способствует росту популярности. Важно, чтобы символ можно было легко повторить. Например, простой, но яркий логотип Rolling Stones стал настолько популярным, что его уже можно назвать частью современной культуры. Он на одежде, чехлах для смартфонов, украшениях. И далеко не все покупатели этих товаров знают, кому принадлежит лого.

Логотип может стать мостиком, что связывает цифровой мир музыки с реальным. Ведь его можно разместить на физических носителях, чтобы поклонники исполнителя выражали свои музыкальные вкусы в офлайне.

А вот что говорит о логотипах и брендинге в целом Максим Задворнов:

- “Брендинг” артиста несет хороший имиджевый эффект. И это круто! Я работаю с Тимати — у него есть логотип. Это признак большого артиста. Считается, что так это работает. И если ты уличный, андеграундный и существуешь не по законам шоу-бизнеса, а в своем трушном мире, то слова “пиар”, “маркетинг” и “брендинг” для тебя ругательные. Но это не так. Все занимаются пиаром и продвижением своего творчества. И брендинг — часть этого продвижения. Он есть и у девчонки, что написала с братом свой лучший альбом в спальне, и у величайших панк-групп прошлого, и у настоящих американских гангста-рэперов, и у легенд русского рока.

Брендинг — это не признак роскошной жизни. Это просто проработанный (не всегда на бумаге, а возможно, просто в вашей голове) концепт того, как должны выглядеть артист и его творчество в разных ситуациях. И это далеко не только лого, а визуальный стиль, цветовая гамма, кадрирование фото, общий стиль клипов, решения по обложкам, эстетика и эмоции, передаваемые через любые визуальные формы.

Мерчандайзинг

Мерч — собирательное название товаров с символикой артиста или группы. Чаще всего сюда входят футболки, толстовки, бейсболки, сумки-шоперы, банданы, кружки, значки, резиновые браслеты. Мерч продается на концертах исполнителя или на его официальном сайте. На некоторых выступлениях можно купить товары с лимитированным дизайном.

Первый мерч был посвящен Фрэнку Синатре. Юные фанаты писали его имя на футболках и ходили так в школу. А идея продавать мерч принадлежит Элвису Пресли — в 1956-м он выпустил первые сувенирные футболки. С ростом популярности рок-групп росла и востребованность мерча. Ведь с помощью футболки можно было показать всем, что ты был на концерте культовой группы. Мерч активно выпускали Beatles, Rolling Stones и Kiss. AC/DC и вовсе заработали на сувенирах больше, чем на альбомах.

В России 90-х — начала нулевых тоже была популярна одежда с символикой рок-групп. Во дворах многие подростки носили футболки с логотипами «Арии» или «Короля и шута». Позже эта логомания поутихла, но сейчас возродилась в массовой культуре. Многие популярные сети магазинов выпускают футболки с символикой культовых групп Nirvana, Metalliсa, Black Sabbath и других.

Современным исполнителям продажа мерча приносит и деньги. Узнаваемость — это самый настоящий партизанский маркетинг. Поэтому важно делать фирменные футболки яркими и необычными, чтобы сторонние прохожие заинтересовались и нашли в интернете информацию об исполнителе, послушали его музыку. Также нельзя забывать о том, что мерч — это не просто реклама, а одежда или предмет, который будет использоваться в быту. Нужно, чтобы он был удобным. Здесь уже на помощь придут промышленные дизайнеры и специалисты в области одежды.

Дизайн афиш

С афишами для отдельных музыкальных групп и исполнителей все более-менее понятно. За основу чаще всего берутся изображения для обложек альбомов. Если афиша не приурочена к альбому, визуальная составляющая не должна отвлекать от основной информации — об исполнителе, месте и времени проведения концерта. При этом на афише можно разместить намного больше информации, чем на обложке. Даже обилие надписей на большом формате будет смотреться органично. Например, там указывают особенности шоу или упоминают спонсоров.

Сложнее дело обстоит с афишами для фестивалей. Хотя они обычно объединяют музыкантов одной направленности. Все равно сложно придумать единый стиль для 10, 20, 30 исполнителей. Поэтому чаще всего здесь главенствует минимализм в фирменных цветах фестиваля: название, логотип или символика, дата и перечисление артистов.

Цель афиши утилитарная. Она больше призвана не привлекать внимание, а информировать о мероприятии. Это работает в основном на горячую аудиторию. Но иногда и афиши становятся настоящими произведениями искусства.

Дизайн музыкальных инструментов

Музыкальные инструменты — полноправные партнеры исполнителей во время концертов. Они тоже играют немалую роль в создании имиджа. Рассмотрим популярные и необычные инструменты, которые стали культовыми благодаря своему дизайну.

Саксофон Mark VI от компании Selmer

Этот инструмент был выпущен в 1954 году и оставался популярным на протяжении 20 лет. На нем играли такие известные джазовые музыканты, как Джон Колтрейн, Стэн Гетц, Декстер Гордон, Фил Вудс и другие. На протяжении долгого времени Mark VI был эталоном среди саксофонов, а его расположение клавиш является стандартом до сих пор. В разработке инструмента участвовал знаменитый французский музыкант Марсель Мюль. Особое внимание уделялось удобству игры. Клавиши были отрегулированы по размеру и комфортно расположены, а корпус уменьшен по сравнению с предыдущими моделями. Это давало музыкантам больше свободы. Некоторые детали саксофона были съемными для простоты ремонта. Кроме этого, Mark VI отличался красивой гравировкой на раструбе, который зависел от страны сборки. Во Франции саксофон украшали цветами и бабочками, в Великобритании — морскими ракушками, а в США — завитками.

Гитара Gibson EDS-1275 Doubleneck

Инструмент получил известность благодаря Джимми Пейджу из Led Zeppelin. На ней музыкант исполнял одну из самых популярных композиций группы — «Stairway To Heaven». На одном грифе гитары было 6 струн, а на втором — 12. Это позволяло исполнить композицию, не меняя инструменты. До Пейджа двухгрифовые гитары Gibson не пользовались популярностью, но музыкант сделал эту модель культовой. После него EDS-1275 купили себе и многие другие популярные рок-гитаристы. Кстати, Пейджу так понравилась гитара, что после того, как Gibson прекратила выпуск моделей, музыкант попросил сделать копию специально для него.

Скрипка Александра Маркова

Виртуоз Александр Марков известен любителям инструментальной музыки благодаря не только своему таланту, но и необычному инструменту, с которым он выступает. Скрипка Маркова изготовлена на заказ дизайнером Джеймсом Ремингтоном специально для проекта Rock Concerto, где Марков играет и классические, и рок-хиты. У необычной скрипки шесть струн, что дает ей две дополнительные октавы. Это позволяет имитировать звук электрогитары. И еще один штрих — инструмент полностью покрыт золотом.

Скрипка Yamaha SV-250 Silent Violin Pro

Еще одна необычная скрипка — на этот раз электрическая. Несмотря на минималистичный «космический» дизайн, инструмент выдает очень мощное звучание. Скрипку любят профессионалы, которые сочетают музыкальные выступления с шоу, например, Линдси Стирлинг. Во время исполнения она активно двигается и танцует, а яркий дизайн Silent Violin Pro идеально дополняет шоу Стирлинг.

Фортепиано PianoArc Brock360

Этот инструмент изобрел Брокетт Парсонс, клавишник эпатажной исполнительницы Леди Гага. Фортепиано тоже получилось эпатажным. Оно состоит из 294 клавиш — это в три раза больше, чем в обычном. Также фортепиано снабжено подсветкой, можно регулировать его высоту и наклон. Оригинальный инструмент требует виртуозных навыков игры, поэтому на концертах Леди Гага внимание зрителей приковано не только к исполнительнице, но и к ее талантливому клавишнику. Само фортепиано изготовила компания PianoArc. Сейчас модель может заказать любой желающий — инструмент делается индивидуально по запросу.

Оправданы ли затраты на уникальные инструменты, влияет ли визуал на прибыль артиста? Вот что считает по этому поводу Максим Задворнов:

- Помните, что артист — от слова “арт” (в переводе с англ. — “искусство”). Артист — это тот, кто при помощи всех возможных креативных инструментов хочет выразить себя. Через музыку, метафоры, образы, символы он несет нам свою вселенную, вдохновляет аудиторию. Да, у артистов-музыкантов основной инструмент — песня. Но не нужно замыкаться и не использовать прекрасно развитый в современном мире инструментарий, связанный с видео, фото и другими визуальными формами. Артист должен чувствовать себя художником. А задача художника — перенести свое видение на аудиторию. Конечно же, в случае успеха подобного переноса музыка более востребована, а значит — покупается активнее, как и билеты на концерты. Потому можно точно сказать, что правильная работа с визуализацией однозначно увеличивает прибыль артиста.

Тенденции дизайна в музыкальной индустрии

Они тесно связаны с общемировыми тенденциями: ускорением темпа жизни, цифровизацией и глобальным развитием индустрии развлечений. Благодаря стриминговым сервисам потребление музыкального контента значительно возрастает. Можно бесконечно слушать музыку и открывать новых исполнителей. Но вместе с этим дизайнеры получают новые вызовы — нужно ускорять темпы производства обложек, афиш, логотипов для новых исполнителей.

Информационное и технологическое развитие способствуют этому. Визуальное оформление делается в два счета с помощью искусственного интеллекта, а для дизайна музыкальных инструментов используется 3D-моделирование.

Вот что говорит о трендах дизайна в музыкальной индустрии Максим Задворнов:

- Пожалуй, единственный тренд, который стоит упомянуть, — это то, чтобы любой визуал соответствовал артисту и его творческим задачам. Да, придумать его может специально обученный человек, но раскрывать он должен личность артиста и его творчество. Короче, визуализация должна быть трушной — это главный тренд всегда. Для Тимати трушно — это дорогие авто, серфинг на Мальдивах и стиль. Для Макана — это спортик, вайб своего района и… тоже, кстати, дорогие авто. И тот и другой визуализируют все максимально правдиво по отношению к себе. Показывают свой образ жизни, какой он есть. Это — тру.

Наиболее важно создать общий стиль, который автоматически перейдет на все носители. Пример — Twenty One Pilots. Когда у них начинается новый этап (альбом, например), они всегда выбирают новый цвет, что присутствует на всех носителях. Выбрали желтый — на всех фото элементы желтого. В клипах — желтые палочки на барабанах, на обложках — фото с желтыми наклейками на одежде и так далее. Все в деталях, но общий стиль считывается моментально. Это малая часть брендинга. Важно, чтобы все носители визуального кода артиста были встроены в систему, которую разрабатывает арт-директор. Из русскоязычных артистов хороший пример — визуализация “Три Дня Дождя” и работы арт-директора Сахарной.

Валерий Дробыш добавляет:

- Если мы сейчас посмотрим на любого артиста, который не просто стрельнул и у него что-то там вирусится, а на долгоиграющих артистов, что существуют уже много лет на сцене, у них все визуальное сопровождение всегда очень четко продумано, над этим работают большие профессионалы. У нас в России их довольно много.

А вот что советует Алина Кретова:

- Важно действовать в комплексе и вести единую визуальную коммуникацию. У нее должна быть четкая цель и понятное обращение к целевой аудитории. С помощью созданного дизайна вы рассказываете о себе аудитории и влияете на ее выбор. Если у вас есть современный, красивый и продуманный фирменный стиль во всем, то это усилит вашу узнаваемость. Вы лучше запомнитесь и будете четче восприниматься аудиторией. А еще единый стиль позволяет наиболее эффективно выстроить эмоциональную связь и, конечно же, отстраиваться от конкурентов.

Визуальная составляющая становится неотъемлемой частью музыкальной индустрии. Теперь слушатели хотят не просто слушать музыку, а заранее знать, какие эмоции вызовет трек. И не просто ходить на концерты, а смотреть настоящее шоу. Поэтому роль дизайна в музыкальной индустрии будет только расти.

Виталий Ставицкий отмечает, что если мы говорим о цифровизации музыкальной сферы, то нужно очень внимательно относиться и к интерьерной составляющей:

- Мы на “Фабрике дизайна” отлично понимаем, что для современного прослушивания музыки нужны как модные аксессуары, так и мебель. Например, на одном из прошлых потоков был создан прототип дивана — энергостанции с функцией зарядки домашних гаджетов по проводной и беспроводной технологиям. Разъемы USB и USB-C (с поддержкой быстрой зарядки) интегрированы в каркас на центре дивана, а подвижный столик для напитков имеет функцию беспроводной зарядки. То есть музыку можно слушать во время работы. Не зря этот предмет сейчас претендует на премию “Лучший промышленный дизайн России” Департамента инвестиционной и промышленной политики города Москвы.

Участники музыкального рынка и дизайнеры сходятся в одном — визуальная составляющая и удобство прослушивания контента всегда будут играть огромную роль в развитии музыкальной индустрии. Эстетика и прогресс станут идти рука об руку и дополнять друг друга.